Louis Armstrong

No universo musical ele é o Satchmo ,considerado " A personificação do Jazz ", com seu carismático sorriso e com seu trompete, é esta a imagem que logo passa pela cabeça, quanto a voz , logo vem a canção " What A Wonderful World ".
Louis Daniel Armstrong (Nova Orleans, 4 de agosto de 1901 — Nova Iorque, 6 de julho de 1971), Com sua voz e sua personalidade indiscutivelmente inconfundíveis e até hoje conhecidas até por aqueles que não são aficcionados por jazz, Louis Armstrong é um dos maiores expoentes do Jazz tanto como cantor quanto por primeiro grande solista, com seu trompete.
Armstrong nasceu numa família muito pobre. Passou a sua juventude na pobreza num duro bairro de Nova Orleans, conhecido como “as costas da cidade”. O seu pai, William Armstrong, abandonou a família quando Louis ainda era criança e casou-se com outra mulher. A sua mãe, Mary Albert Armstrong, deixou Louis com a sua tia, o seu tio e a sua avó. Aos cinco anos ele voltou a viver com a sua mãe e via o pai muito raramente. Ele esteve na Fisk School for Boys onde pela primeira vez entrou em contato com a música. Levou algum dinheiro para casa como entregador de jornais e sapateiro ambulante contudo, isso não era suficiente para manter a sua mãe longe da prostituição. Fascinado e intrigado, passou a entrar a de penétra em bares de música perto de sua casa para ouvir e ver os cantores.
Armstrong nascera no fundo da pirâmide social, numa cidade altamente segregada. Apesar disso, ele vivia num constante fervor de música, no seio do que se costuma chamar Ragtime, mas que ainda não era Jazz. Conheçeu também dias muito difíceis ,mas, Armstrong olhava para a sua juventude como o pior momento da sua vida e, por vezes, até retirava inspiração dela: “Every time I close my eyes blowing that trumpet of mine, I look right in the heart of good old New Orleans... It has given me something to live for.”" Todas as vezes que eu fecho os meus olhos tocando aquela minha trompeta, eu olho logo no coração da boa velha Nova Orleans... dá me algo para eu viver."
Conseguiu comprar um trompete, com dinheiro emprestado de uma família imigrante russa-judia, os Karnofskys que, até ao final da sua vida considerou como membros da família visto terem cuidado dele vários dias e noites, enquanto a sua mãe trabalhava. Por essa razão, Louis usou uma Estrela de Davi para o resto da sua vida.
Após sair da Fisk School aos 11 anos, Armstrong formou um quarteto que tocava na rua para ganhar algum dinheiro e também por esta altura ele começou a meter-se em sarilhos.
O tocador de corneta Bunk Johnson ensinou-o a tocar por ouvido no Dago Tony’s Tonk em Nova Orleans, apesar de Louis ter dado crédito a um músico, de seu nome, Oliver, nos anos seguintes. Armstrong desenvolveu fortemente a sua maneira de tocar trompete na banda de New Orleans Home for Colored Waifs, onde ele fora várias vezes enviado por delinquência juvenil (mais notavelmente por disparar a arma do seu padrasto para o ar numa celebração de Véspera de Ano Novo, assim confirmam os registos policiais) . O professor Peter Davis instalou disciplina e providenciou educação musical ao rapaz. Eventualmente, Davis fez Armstrong o líder da banda. A Home tocou por toda Nova Orleans e o rapaz de 13 anos passou a tomar atenção ao modo como tocava trompete, começando uma nova carreira musical. Aos 14 anos ele saiu da Home e viveu com o seu pai e nova madrasta e depois com a sua mãe, as ruas e as suas tentações. Armstrong ganhou o seu primeiro emprego noturno no Henry Ponce’s, onde Black Benny se tornou o seu protetor e tutor. Queimava carvão na fábrica de dia e tocava trompete à noite.
Ele tocou frequentemente nas Brass Band Parades e ouviu os músicos mais velhos sempre que podia, aprendendo com Bunk Johnson, Buddy Petit, Kid Ori e, acima de tudo, com Joe “King” Oliver, que atuou como mentor e figura paternal para o jovem músico. Mais tarde, ele tocou nos riverboats de Nova Orleans, trabalhando com o ilustre Fate Marable subindo e descendo o Mississipi. Ele descreveu o tempo passado com Marable como indo para a universidade, o que lhe proporcionou uma experiência única.
Em 19 Março de 1918, Satchmo ( a alcunha de Armstrong ) desposou Daisy Parker de Gretna, Louisiana. Eles adotaram uma criança de 3 anos, Clarence Armstrong, cuja mãe, a prima de Louis, Flora, morrera no parto. Clarence Armstrong foi doente mental ( resultado de uma pancada em tenra idade ) e Louis passaria o resto da sua vida a tomar conta dela. Louis divorciou-se de Daisy e pouco depois, esta faleceu.
Durante as suas experiências de “Riverboat”, a música de Armstrong começou a amadurecer. Aos vinte anos, já conseguia ler partituras e começou a tocar grandes e prolongados solos de trompeta, sendo um dos primeiros Jazzmen a fazê-lo e introduzindo a sua personalidade e estilo nos seus solo turns. Ele acabara de aprender como criar um som único, e começara a cantar nas suas performances. Em 1922, Armstrong foi para Chicago, por convite de Joe “King” Oliver, para se juntar à sua “Creole Jazz Band” onde ganhava o suficiente sem ter de atuar nos velhos clubes noturnos. Chicago, a cidade do vento, estava povoada de muitos negros, que após trabalharem nas fábricas, tinham algum dinheiro para gastar numa ida ao bar.
A banda de Oliver foi a melhor e mais impressionante jazz band em Chicago nos anos 20, numa altura em que esta cidade era o centro do universo do Jazz. Armstrong viveu como um rei em Chicago, no seu próprio apartamento, com a sua própria casa de banho privado ( a sua primeira ). Entusiasmado de se encontrar nesta cidade, começou a escrever cartas nostálgicas aos seus amigos em Nova Orleans. A medida que a carreira de Armstrong crescia, ele era desafiado a “cutting contests” por hornmen tentando acabar com o novo fenômeno no entanto, falharam. Armstrong fez as suas primeiras gravações nas Gennett e Okeh labels ( os recordes de jazz estavam a começar a rebentar por todo o país ), incluindo alguns solos e breaks, enquanto segundo trompete na banda de Oliver em 1923. Por esta altura, ele conheceu Hoagy Carmichael ( com quem ele colaboraria depois ) que foi introduzida por Bix Beiderbecke, seu amigo, que agora possuía a sua “Chicago band”.
Armstrong adorou trabalhar com Oliver, mas a sua segunda mulher, a pianista Lil Hardin Armstrong, fez com que este desenvolvesse o seu novo estilo afastado de Oliver. Ela convenceu o seu marido que tocasse música clássica nas igrejas, para aperfeiçoar o seu estilo e experimentasse tocar sem banda, além dos solos, e com coral religioso. A influência de Lil determinou eventualmente a relação entre Armstrong e o seu mentor, especialmente as questões do salário e dos dinheiros adicionais que Oliver afastava dele e dos outros membros da banda. A banda desfez-se em 1924 e Armstrong foi convidado a ir à cidade de Nova Iorque para tocar com a Fletcher Henderson Orchestra, a banda Américo-Africana de mais sucesso naquele período. Louis aprendeu como tocar em orquestra pela primeira vez.
Armstrong rapidamente adaptou-se ao mais controlado estilo de Henderson e os outros músicos rapidamente tomaram Armstrong como um músico emocional e natural.

Durante esta altura, Armstrong efetuou várias gravações, arranjadas por um seu velho amigo de Nova Orleães, o pianista Clarence Williams, estas incluíam concertos de banda Williams Blue Five ( na qual Armstrong entrava ), alguns solos de jazz e uma série de acompanhamentos com tocadores de Blues, incluindo Bessie Smith, Ma Rainey e Alberta Hunter.
Armstrong regressou a Chicago em 1925 devido à sua mulher, que queria incentivá-lo a prosseguir com a sua carreira. Ele gostou muito de Nova Iorque e admitiu que a Henderson Orchestra era bastante limitada. Ele começou a fazer gravações com o seu próprio nome com os famosos Hot Five e Hot Seven, produzindo grandes êxitos como Potato Head Blues, Muggles ( uma referência à marijuana ) e West End Blues.
O grupo incluia Kid Ory ( trombone ), Johnny Dodds ( clarinete ), Johnny St. Cyr ( banjo ), a mulher de Armstrong e, normalmente, nenhum tamborista. Armstrong conduzia a banda muito bem, assim o comprova St. Cry: “One felt so relaxed working with him…he always did his best to feature each indidual” Todos relaxavam ao trabalhar com ele…ele fazia sempre o seu melhor para realçar cada um dos membros da banda. As suas gravações com o pianista Earl “Fatha” Hines e a introdução de Armstrong em West End Blues permanecem as mais famosas influências na história do Jazz. Armstrong era agora livre de desenvolver o seu estilo pessoal como ele quisesse.
Armstrong também tocou com “Erskine Tate’s Little Symphony”, no teatro de Vendome. Eles forneceram música para filmes mudos e shows ao vivo, incluido versões de música clássica “jazzeadas” entre as quais Madame Butterfly, o que proporcionou a Armstrong experiência com novos tipos de música e atuações perante uma grande audiência.
Tornaram-se a banda de Jazz mais famosa na América e os jovens músicos adoravam e admiravam o novo estilo de Armstrong.
Após separar-se de Lil, Armstrong começou a tocar no café Sunset para Joe Glaser, um associado de Al Capone. Na Carrol Dickerson Orchestra, com Earl Hines no piano, que rapidamente foi transformada na Louis Armstrong’s Stompers, Armstong fez amizade vitalícia com Hines e dirigiu, pela primeira vez, um grupo musical.
Armstrong regressou a Nova Iorque em 1929, onde ele tocou na orquestra do musical Hot Chocolate e fez uma particpação especial na banda de Charles John Degoniah. Ele começou a trabalhar no Connie’s Inn em Harlem, o segundo clube noturno mais famoso da “Big Apple”. Armstrong teve também um sucesso considerável com as gravações vocais, incluindo versões das famosas músicas compostas pelo seu velho amigo Hoagy Carmichael. As suas gravações de 1930 ganharam vantagem total devido ao “ribbon microphone” ( microfone de peito ) sobre todas as outras gravações de bandas da época, com menos qualidade.

A mais famosa foi: “Stardust”, que até hoje permanece uma das gravações com mais lucro de Armstrong. O único som vocal e estilo de Armstrong, e a sua inovadora maneira de cantar já se tinha tornado standart, no entanto, esta ainda continuava a “deixar as pessoas loucas”.
A Depressão dos anos 30 atacou de forma violenta o Jazz. Bix Beiderbecke faleceu e a banda de Fletcher Henderson dispersou-se. Muitos músicos deixaram de tocar nos clubes noturnos e alguns deixaram mesmo de ser músicos. King Oliver fez algumas gravações mas não tiveram exito nenhum. Sidney Bechet tornou-se alfaiate e Kid Ory regressou a Nova Orleans para criar galinhas. Armstrong deslocou-se para Los Angeles em 1930 à procura de novas oportunidades. Ele tocou no New Cotton Club em L.A. com Lionel Hampton nos tambores. Em 1931 Armstrong apareceu no seu primeiro filme: Ex-Flame. Ele regressou a Chicago em Dezembro de 1931 e tocou nas bandas de Guy Lombardo e Raphael Minsby onde foi relembrado pelo público. Viajou por quase todos os estados e em Março de 1934 regressou a Nova Orleans, onde foi recebido como um herói. Ele patrocinou uma equipe de basquetbol local, “Armstrong’s Secret Nine”, e deram-lhe o seu nome a um tipo de cigarro. Mas pouco tempo depois, ele regressou à estrada e foi novamente esquecido, o que fez com que ele fugisse para a Europa.
Após regressar aos E.U.A., ele tomou várias longas e exaustivas digressões. O seu agente, Johnny Collins, fez com que Armstrong ficasse com pouco dinheiro. Ele despediu-o e contratou Joe Glaser, que resolveu as suas dividas e os seus processos.
Ele regressou ao cinema e participou num programa de radio, Rudy Valley’s Show, em que ele entrevistou muitos músicos e tocou alguns solos. Divorciou-se de Lil em 1938 e casou com a sua nova namorada , Alpha.
Após muitos anos na estrada, ele fez residência em Queens, Nova Iorque em 1943 com a sua quarta mulher, Lucille. Apesar de alguns ataques racistas ( roubar o correio, atirar pedras à casa ) integrou-se bastante bem com os negros e alguns brancos do seu bairro.
Durante os trinta anos seguintes da sua vida, Armstrong tocou inúmeros solos e com inúmeras bandas, participou de diversos filmes mas sobretudo descansou pois passar da miséria: de entrega-jornais, duma família despedaçada e de uma casa a cair aos pedaços para a riqueza: uma carreira de sucesso, uma família unida e de uma casa boa, dá muito trabalho.

O agente de Armstrong, Joe Glaser, acabou com uma banda que ele tinha formado, e recomendou a Armstrong a criação de uma nova banda formada por pessoas que eram suas amigas. O grupo chamou-se os All Stars e incluiu Earl “Fatha” Hines, Barney Bigard, Edmond Hall, Jack Taegerdon, Jesmiah Burt, Trummy Young, Arvell Shaw, Billy Kyle, Marty Napoleon, Big Sid Catlett, Cozy Cole, Barrett Deems e Danny Barcelona.
Em 1964 ele atingiu o maior recorde de vendas, ultrapassando ainda as suas antigas gravações com “Hello, Dolly!”. A música ficou em primeiro lugar nos Top 10, fazendo com que Armstrong, com 63 anos de idade, a pessoa mais idosa a conseguir tal feito, destronando até os Beatles, que estavam, por 14 semanas seguintes, em 1º lugar.
Antes de morrer, em 1971, andou por todos os continentes, exceto a Oceanía e a Antárctica, em digressão, ganhando o nome de “Embaixador Satch”.
Nos seus primeiros anos, Armstrong foi mais conhecido por tocar corneta e trompete. Também nos seus primeiros anos, a melhor e mais conhecida música foi os Hot Five e Hot Seven. Ainda hoje ele é conhecido por isso.
As gerações de músicos jazz, do final da vida de Armstrong, lembram-se dele como sendo o homem das imrovisações, no bom sentido. Considera-se o estilo de Armstrong cheio de originalidade, divertidas, criativas e relaxantes ritmos. Ao longo dos anos, a música de Armstrong foi ficando cada vez mais perfeita, não havendo erros em nenhuma das suas músicas.

Resta dizer que Armstrong foi fortemente influenciado por Martin Luther King no tipo de músicas que ele tocava e nas letras, que eram algumas vezes acerca do racismo e da necessidade, da altura, de acabar com tal preconceito.
Louis Armstrong é considerado senão o maior dos músicos Jazz.
Louis Armstrong morreu de ataque cardíaco em 6 de Julho de 1971 com a idade de 69 em Corona, Queens, Nova Iorque, 11 meses após tocar o seu último solo na Sala Imperial do Waldorf Astoria. As suas últimas palavras foram: “I had my trumpet, I had a beautiful life, I had a family, I had Jazz. Now I am complete.” "Eu tive o meu trompete, uma vida linda, uma família, o Jazz. Agora estou completo."
Obrigado pela visita, vossa presença aqui é uma honra...até mais!

*What A Wonderful World
Composição: Bob Thiele / George David Weiss / Robert Thiele Jr.

I see trees of green, red roses too
I see them bloom for me and you
And I think to myself, what a wonderful world

I see skies so blue and clouds of white
The bright blessed day, the dark sacred night
And I think to myself, what a wonderful world

The colors of the rainbow, so pretty in the sky
Are also on the faces of people going by
I see friends shaking hands, saying, "how do you do?"
They're really saying, "I love you"

I hear babies cry, I watch them grow
They'll learn much more, than I'll never know
And I think to myself, what a wonderful world

Yes, I think to myself, what a wonderful world


TRADUÇÃO:


*Que Mundo Maravilhoso


Eu vejo as árvores verdes, rosas vermelhas também
Eu as vejo florescer para mim e você
E eu penso comigo... que mundo maravilhoso

Eu vejo os céus azuis e as nuvens tão brancas
O brilho abençoado do dia, e a escuridão sagrada da boa noite
E eu penso comigo... que mundo maravilhoso

As cores do arco-íris, tão bonitas nos céus
Estão também nos rostos das pessoas que se vão
Vejo amigos apertando as mãos, dizendo: "como você vai?"
Eles realmente dizem: "eu te amo!"

Eu ouço bebês chorando, eu os vejo crescer
Eles aprenderão muito mais que eu jamais saberei
E eu penso comigo... que mundo maravilhoso
Sim, eu penso comigo... que mundo maravilhoso


What a Wonderful World - Louis Armstrong

Luciano Pavarotti

A importância de Luciano Pavarotti é quase indescritível, sua voz maravilhosa, um sorriso marcante e de uma grandiosa carísma.Ele popularizou a Ópera, cantou com muitos outros artistas que se ele solta-se um pouquinho mais a voz, ninguém ouviría quem estava cantando ao seu lado, é só assistir aos videos com atenção e observar que ele se conteve, com extrema humildade. Um exemplo é ver o video em que ele canta com Joe Cocker, Joe cocker é fantástico, mas, por causa do alcool, que prejudicou a sua voz, então,por muitas vezes Joe Cocker perde a voz e Pavarotti manteve-se com admiração. Entendam o meu ponto de vista, não estou competindo Joe cocker com Pavarotti, porque á cada qual tem o seu valor e entraram para a história da música.
Assim como as Spice Girls , mesmo contendo-se, sua voz sobressaíu sobre as quatro vozes das meninas,a poderosa voz de Pavarotti.
Pavarotti é na minha opnião o melhor tenor de todos os tempos, pois conseguiu a façanha que nenhum outro conseguiu, a de popularizar a música erudíta, juntar diversificações de estilos musicais com suas apresentações com artistas de diversos países, de sensibilizar gerações, principalmente a atual, que sem generalizar, não sabem destinguír qualidade de quantidade, que um acorde e um "lálálá" com nádegas de fora e já está muito bom. Pavarotti é inigualável, morre o homem e nasce o mito...a lênda.
Em junho de 1993, cantou para quase meio milhão de pessoas presentes a seu show no Central Park, em Nova York. Um concerto seu sob a torre Eiffel, em Paris, foi aplaudido por quase 300 mil pessoas, que puderam acompanhar o concerto via satélite.
Luciano Pavarotti (Módena, 12 de outubro de 1935 — Módena, 6 de setembro de 2007) foi um cantor (tenor lírico) italiano, grande intérprete das obras de Donizetti, Puccini e Verdi, dentre outros em seu grande repertório. É reconhecido como o tenor que popularizou mundialmente a ópera.
Pavarotti participou, com os tenores espanhóis José Carreras e Plácido Domingo, dos famosos concertos "Os três tenores", e gravou duetos com James Brown, Frank Sinatra, Zucchero, Ricky Martin, Laura Pausini, Spice Girls, Bryan Adams, Andrea Bocelli, Mariah Carey, Queen, Celine Dion, Eros Ramazzotti, Jon Bon Jovi, The Corrs, U2, Roberto Carlos, entre outros, especialmente para causas beneficentes, nas quais se envolveu bastante. ( Depois confiram as galerias de fótos e os videos que aqui estão postados )
É considerado um dos mais importantes tenores de todos os tempos. Cantou nos mais importantes teatros mundiais, como o Teatro alla Scala (Milão), a Royal Opera House (Covent Garden, Londres), o Metropolitan Opera House (Nova Iorque), o grande Olympia (Paris), de entre outros.
Pavarotti fez a sua estréia na ópera em 29 de Abril de 1961 no papel de Rodolfo de La bohème, em Reggio Emilia. Em sua cidade natal, conviveu, desde a infância, com a também famosa soprano Mirella Freni, de quem continuou amigo por toda a vida, e, segundo relato deles próprios, chegaram a dividir a mesma ama-de-leite quando bebês.
Estreou-se na América em Fevereiro de 1965 com a Greater Miami Opera junto com a célebre soprano Joan Sutherland em Miami. Pavarotti foi o cantor substituto de um tenor subitamente doente e executou o seu papel sem prévio ensaio. Sutherland recomendou o jovem Pavarotti, que viajara na sua turnê pela Austrália, já que tinha desempenhado muito bem o papel. A soprano e o tenor se tornaram amigos e formaram, a partir de então, um famoso par em apresentações de ópera e concertos.
Em Milão, em 28 de Abril seguinte, estreia no Teatro alla Scala com La bohème. Depois de uma turnê à Austrália regressou ao La Scala onde fez o papel de Tebaldo de I Capuleti e i Montecchi em 1966, com Giacomo Aragall como Romeo. O seu primeiro papel de Tonio subiu à cena no Covent Garden em 2 de Junho desse ano.
Atinge grande êxito em Roma em finais de 1969 cantando I Lombardi com Renata Scotto, registado em disco e amplamente distribuído, tal como árias de I Capuleti e i Montecchi, habitualmente com Aragall. Os primeiros registos comerciais incluem um recital com obras de Donizetti e Verdi, com árias (a de Don Sebastiano de excepcional qualidade), bem como um L'elisir d'amore completo, com Sutherland. O seu maior êxito nos EUA chega com La fille du régiment de Donizetti, em 1972, na Metropolitan Opera, onde leva o público à loucura com nove aparentemente fáceis para si dós tenores. Foi chamado 17 vezes à cena em constante aplauso.
No início da década de 1980, lança The Pavarotti International Voice Competition para jovens cantores, cantando com os vencedores em 1982 excertos de La bohème e de L'elisir d'amore. O segundo concurso em 1986 repete La bohème e Un ballo in maschera. Para comemorar o 25º aniversário de carreira leva os vencedores a Itália para recitais de gala de La bohème em Modena e Génova, e à China exibindo La bohème em Pequim. Atua no Grande Salão do Povo para 10.000 pessoas, recebendo ovação entusiástica por nove dos tenores. O concurso de 1989 continha excertos de L'elisir d'amore e Un ballo in maschera. Os vencedores deste acompanharam Pavarotti em performances em Filadélfia em 1997.
Um novo incremento à sua fama internacional ocorreu quando em 1990 cantou a ária de Giacomo Puccini "Nessun Dorma" da ópera Turandot, que foi o hino da Copa do Mundo de 1990 na Itália. Forma com Plácido Domingo e José Carreras Os Três Tenores, acompanhados pelo maestro Zubin Mehta, que ainda hoje é o álbum de música clássica mais vendido de sempre. Em Hyde Park, Londres, junta 150.000 pessoas para ouvi-lo. Em Junho de 1993, mais de 500.000 dirigem-se ao Central Park de Nova Iorque para o ouvir, com milhões em todo o mundo a segui-lo pela televisão. Em Setembro, em Paris, junta 300.000. Os três Tenores repetem recitais nas várias Copas do Mundo de Futebol: em Los Angeles em 1994, em Paris em 1998, e Yokohama em 2002. Cantou Kawa No Nagare No Yoni, sucesso japonês de Misora Hibari com o Plácido Domingo e José Carreras em Yokohama.
Pavarotti tem duas entradas no livro Guinness World Records: o maior número de chamadas ao palco — 165 — e o álbum de música clássica mais vendido de sempre (In Concert de Os Três Tenores partilhado com os colegas Plácido Domingo e José Carreras).
Em 2003 publica a sua última compilação, Ti Adoro.
Pavarotti casou-se 2 vezes e tem 5 filhas(uma morreu no parto): do primeiro casamento, com Adua, que durou 34 anos, teve Lorenza, Christina e Giuliana. Depois casou-se com Nicoletta Mantovani (1969), com quem ficou até sua morte. Ela teve gêmeos (Alice e Riccardo(2003)), mas, devido às complicações no parto, apenas a menina sobreviveu.

Iniciou a sua turnê de despedida em 2004, aos 69 anos, após quatro décadas de palco.
Pavarotti atuou pela última vez na New York Metropolitan Opera em 13 de Março de 2004 recebendo uma ovação de 11 minutos pelo papel do pintor Mario Cavaradossi na Tosca de Giacomo Puccini. Em 1 de Dezembro de 2004 anuncia a turnê final em 40 cidades, produzida por Harvey Goldsmith.
Em 10 de Fevereiro de 2006, Pavarotti canta "Nessun Dorma" na cerimônia de abertura dos Jogos Olímpicos de Inverno de 2006 em Turim.
Pavarotti esteve no Brasil sete vezes, a última delas em 2000, com uma apresentação dos Três Tenores, no Estádio do Morumbi, em São Paulo. Também cantou em dueto com o cantor Roberto Carlos.
Luciano Pavarotti recebeu muitas honrarias internacionais e um outro grande número de prêmios. Foi nomeado Embaixador da Paz pelo então secretário-geral da ONU, Kofi Annan, por ter conseguido arrecadar fundos de ajuda humanitária para a entidade mais do que qualquer outro cidadão.
Ganhou, ainda, o Grammy Legend Award em 1998, numerosos Emmy e diversos títulos de universidades ao redor do mundo. Também em 1998, o prefeito de Nova York da época, Rudolph Giuliani, proclamou o Luciano Pavarotti Day, em comemoração ao 30º aniversário de sua estréia na Metropolitan Opera House.


Pavarotti and Friends

Não foi apenas Bono que dividiu o palco com Pavarotti, cantaram com ele grandes nomes do rock, pop e jazz, como Mariah Carey, Tracy Chapman, Eric Clapton, Joe Cocker, The Corrs, Lucio Dalla, Celine Dion, Elton John, The Eurythmics, Grace Jones, Ricky Martin, Spice Girls, Liza Minnelli, George Michael, Lionel Ritchie, Sting, Barry White, Stevie Wonder, Sheryl Crow e até com BB King.
A renda desse projeto arrecadou diversos milhões de dólares que foram usados para financiar projetos sócio-educativos na Bósnia, Camboja, Kosovo, Guatemala, Libéria, Tibet, sem falar no tocante a refugiados afegãos no Paquistão e angolanos em Zâmbia. Só em 2003, arrecadou US$ 2 milhões usados em ajuda humanitária aos iraquianos, vítimas da guerra.
No dia 06 de Setembro de 2007, falece o tenor italiano Luciano Pavarotti, aos 71 anos, em Modena, na Itália. A morte foi decorrência de um câncer no pâncreas. O músico havia sofrido uma cirurgia para retirada de um tumor no órgão em julho do ano passado.
O tenor havia sido internado com uma infecção pulmonar no dia 8 de agosto, no Hospital Policlínico de Modena. Ele saiu do centro médico no dia 25 do mesmo mês e vinha recebendo cuidados de uma equipe de especialistas na sua casa.
O homem Pavarotti morreu,mas sua voz ecoará por muitas e muitas gerações vindouras, espero que possa servir de inspiração á outros tenores á seguirem o seu legado e abrir as portas para muitos outros talêntos que não tem a chance de divulgação.
Um abraço e até mais...


* "O Sole Mio"


Che bella cosa na iurnata 'e sole,
n'aria serena doppo na tempesta!
Pe' ll'aria fresca pare gia` na festa,
che bella cosa na iurnata 'e sole.
Ma n'atu sole cchiu` bello, oi ne', 'o sole mio, sta 'nfronte a te!
O sole, 'o sole mio, sta 'nfronte a te, sta 'nfronte a te!
Quanno fa notte e 'o sole se ne scenne,
me vene quase 'na malincunia.
Sotto 'a fenesta toia restarria,
quanno fa notte e 'o sole se ne scenne.
Ma n'atu sole cchiu` bello, oi ne', 'o sole mio, sta 'nfronte a te!
O sole, 'o sole mio, sta 'nfronte a te, sta 'nfronte a te!


* " O meu sol"

Que bela coisa uma jornada de sol,
um ar sereno depois da tempestade.
Pelo ar fresco parece já uma festa,
Que bela coisa uma jornada de sol.

Mas um outro sol
mais belo, oh garota,
o meu sol,
está na sua fronte...
O sol,
o meu sol,
está na sua fronte,
está na sua fronte.

Quando desce a noite e o sol deita-se,
me pega quase uma melancolia.
Ficaria em baixo da sua janela,
quando desce a noite e o sol deita-se.

Mas um outro sol
mais belo, oh garota,
o meu sol,
está na sua fronte...
O sol,
o meu sol,
está na sua fronte,
está na sua fronte.

Roberto Carlos e Luciano Pavarotti - O sole mio (1998)

Lou Reed

No universo musical é grande a importância de Lou Reed, ele e a banda The Velvet Underground onde era o vocalista, banda esta que influênciou vertentes do rock, diversas bandas. Para uns Lou Reed é um gênio, para outros um louco, em 2001 foi notícia nas rádios "Lou Reed morreu de overdose", era um trote. Para uns o pai do punk, do Hard-Rock , rock alternativo, para outros um chato que só faz sucesso com uma canção de 10 em 10 anos. Certo é que Lou Reed é um tema complicado, prazeroso e complexo.
Amado e odiado, pois suas canções sempre causaram polêmicas pelos assuntos abordados,a continuação foi uma tradução de informações de fonte do exterior, sendo assim a tradução fica semelhante a um "índio" aprendendo português.
Lou Reed (Brooklyn, New York, 2 de Março de 1942) é um cantor, guitarrista e compositor e produtor norte-americano.
É por alguns considerado o pai da música alternativa, poeta das esquinas de Nova Iorque. Foi um dos vocais do The Velvet Underground, influenciando Iggy Pop, New York Dolls e David Bowie. Mais tarde toda a cena pós-punk inglesa. Admirador de Poe e Raymond Chandler, além de James Joyce, a quem faz referências em Blue Mask.
Lewis Allan "Lou" Reed (nascido em 2 de março de 1942) é um músico americano do gênero rock, melhor conhecido como o guitarrista, vocalista e principal compositor da banda The Velvet Underground, bem como uma bem sucedida carreira solo artista cujo o nome é conceituado por várias décadas. A banda ganhou pouca atenção durante a sua carreira mainstream, mas se tornou um dos mais influentes da sua época. Como o Velvet Underground principal do songwriter, Reed analisou temas de sua experiência pessoal que raramente tinham sido examinados tão abertamente em rock and roll, incluindo uma variedade de temas sexuais e drogas cultura e de utilização. Como guitarrista, ele foi o pioneiro de muitos efeitos em guitarra incluindo distorção, volume alto gabarito, e atípico tunings.
Reed começou uma longa e eclética carreira solo em 1971. Ele teve um sucesso no ano seguinte com "Walk no Wild Side", embora mais de uma década que ele parecia estar deliberadamente iludir a integrar o seu sucesso comercial gráfico estado oferecido ele. Uma das personalidades mais volátil do rock, Reed do trabalho como um artista solo tem frustrado os críticos que desejam para um regresso do Velvet Underground. ." O exemplo mais notável é o famigerado 1975 duplo LP gravado de ciclos de retorno, Metal Machine Music, após o que Reed depois comentou: "Não é suposto que um ser capaz de fazer uma coisa dessas e sobreviver." Até o final dos anos 1980, porém, ele tinha garnered reconhecimento como um ancião estadista da rocha.
Lou Reed, nasceu em uma família de judeus em 1942 no Beth El Hospital, em Brooklyn e cresceu em Freeport, Nova York. Contrariamente a algumas fontes, o seu nome foi nascimento Lewis Allan Reed, não Louis Firbanks (o nome foi uma brincadeira começou por Lester Bangs para Creem revista). Tendo aprendido a tocar a partir do rádio fora da ilha, ele desenvolveu um interesse no início do rock and roll e de ritmo e blues, e durante o ensino médio jogado em um número de bandas. Sua primeira gravação foi como um membro de um doo WOP-estilo grupo chamado The Shades.
Reed receberam eletroconvulsoterapia (terapia de choque) em sua adolescência, em resposta ao seu comportamento homossexual; em seu escuro 1974 canção, "Kill Your Sons", a experiência que ele revisitado. Em uma entrevista, disse Reed da experiência:
"Eles colocavam uma coisa pela sua garganta para não engolir a língua, e eles colocavam eletrodos em sua cabeça. Isso é o que foi recomendado em Rockland County para desencorajar manifestações de sentimentos homossexual. O efeito é que você perder o seu memória e tornar-se um vegetal. Você não pode ler um livro porque você chega à página dezessete e têm direito a ir de volta para uma página novamente."
Reed começou freqüentando Syracuse University, estudar jornalismo, cinema e escrita criativa dirigir antes de encontrar sua verdadeira vocação quando ele começou a hospedagem de fim de noite um programa de rádio sobre WAER chamado "Excursões On A vacilante Ferroviário". Nomeado após uma canção pelo pianista Cecil Taylor, o programa normalmente caracterizado doo WOP, ritmo e blues e jazz, especialmente o jazz livre desenvolvido em meados dos anos 1950. Muitos de Reed da guitarra técnicas inovadoras, tais como a guitarra-tambor roll, foram inspiradas saxofonistas pelo jazz, nomeadamente Ornette Coleman. Reed graduado da Syracuse Colégio de Artes e Ciências com um grau Bachelors das Artes, em Junho de 1964.
Notar poeta Delmore Schwartz, então, nos últimos anos da sua vida, ensinou em Siracusa e befriended Reed, que em 1966 dedicado à Schwartz a canção "europeu Filho", do Velvet Underground's debut album O Velvet Underground & Nico. Mais tarde , em 1982, a Reed gravado "Minha Casa", como uma homenagem a seu mentor tarde: "Meu Dedalus ao seu Bloom foi de tal forma perfeita wit." Schwartz da influência sobre o escritor aspiring parece ter sido através do incentivo, mas também Reed créditos para ele insistir na utilização da linguagem coloquial na sua escrita. Ele disse mais tarde suas metas como um escritor eram "para trazer a sensibilidade da novela a música rock", ou a escrever o Grande Romance Americano em um recorde álbum .
Em 1963, a Reed mudou-se para Nova York, e começou a trabalhar como um in-house songwriter para Pickwick Records. " Em 1964, ele marcou um menor com o hit single "O avestruz", um parodic novidade canção popular de "dançar músicas", tais como "A Twist", que incluiu linhas como "colocar a cabeça no chão e ter alguém no mesmo passo. Seus empregadores tinham sentir a música tinha bateu recorde potencial, e dispostos para uma banda a ser montado em torno de Reed para promover a gravação. O grupo ad hoc, chamado The Primitivas, incluída músico galês John Cale, que tinha recentemente se mudou para Nova York para estudar música e estava tocando violão na compositor La Monte Young 's Teatro de Eterna Música, juntamente com Tony Conrad. Cale Conrad e ambos foram surpreendidos ao descobrir que para "a avestruz" Reed sintonizado cada corda de seu violão com a mesma nota. Esta técnica criada uma drone efeito semelhante à sua experimentação no Casal da vanguardista ensemble. Decepcionado com o desempenho da Reed, Cale foi, no entanto, impressionado pela Reed's precoce repertório (incluindo "Heroin"), e uma parceria que começou a evoluir.
Reed e Cale viveram juntos no Lower East Side, e, acrescentando Reed's College conhecidos guitarrista Sterling Morrison ea baterista Maureen Tucker para o grupo, que formou o Velvet Underground. Embora internamente instável (Cale esquerda, em 1968; Reed em 1970) e nunca alcançar significativo êxito comercial, a banda tem uma longa reputação como uma das mais influentes bandas de rock underground da história.
O grupo captou a atenção do notável artista Andy Warhol, que levantou o perfil incomparavelmente, se não melhorar a sua imediata fortunas. Um de Warhol da primeira contribuição para o sucesso da banda foi garantindo-lhes uma constante no local como a casa em banda Max's Kansas City. Warhol's assocía inspirou muitos dos Reed's canções como ele caiu em uma próspera, multifacetada cena artística.Reed raramente dá uma entrevista sem pagar homenagem a Warhol como um mentor figura. Ainda assim, os conflitos surgiram quando Warhol teve a idéia para o grupo a assumir como "chanteuse" o europeu antigo modelo Nico. Reed e os outros registada a sua oposição por titulação seu álbum debut O Velvet Underground & Nico. Apesar de sua resistência inicial, a Reed escreveu várias canções para Nico a cantar, e os dois foram sumariamente amantes (como foram Nico Cale e mais tarde). Hoje, porém, é considerado um dos mais influentes álbuns rock nunca produziu, influenciando glam rock, punk, pós punk, rock gótico, shoegazing e muito mais. "Rolling Stone" tem ele listado como o 13 º melhor álbum rock de todos os tempos. Brian Eno famosamente declarou uma vez que, embora poucas pessoas compraram o álbum, a maioria daqueles que não foram inspirados para formar sua própria banda.
Até o momento a banda gravado White Light / White Heat, Nico tinha sair e Warhol foi despedido, tanto contra a vontade da Cale. Warhol's substituição como gerente, Steve Sesnick, convencido de Reed Cale a unidade fora da banda. Morrison e Tucker foram discomfited pela Reed's táticas, mas continuou com o grupo. Cale da substituição foi Doug Yule, a quem, muitas vezes Reed jocosamente introduzir como seu irmão mais novo. O grupo já assumiu uma mais pop-oriented som e atuou mais como um veículo para desenvolver o seu songwriting Reed embarcações. O grupo lançou dois álbuns com mais esta linha para cima: 1969 é o Velvet Underground e 1970 do Carregado. Este último incluiu dois do grupo o mais bem sucedido comercialmente canções, "Rock and Roll" e "Sweet Jane". Reed deixou o Velvet Underground, em Agosto de 1970, a banda desintegrou como núcleo membros Sterling Morrison e Maureen Tucker partiu em Agosto de 1971 e no início dos anos 1972, respectivamente. Doug Yule continuou até ao início de 1973 e libertado mais um estúdio, Squeeze, sob o Velvet Underground nome.
Depois da banda passar ao Atlântico está Cotillion rótulo, o seu novo gerente Reed empurrado para alterar o objecto das suas canções para temas mais leves na esperança de, resultando em mais acessível e mainstream música.A faixa do álbum Carregado tinha tomado mais tempo do que o anterior para gravar três álbuns juntos e foi escrito e produzido para ser "carregado com hits", mas não tinha quebrado a banda através de um público mais vasto. Reed brevemente aposentados para com seus pais para casa em Long Island.
Após sair do Velvet Underground, em Agosto de 1970, a Reed teve um emprego com o pai na empresa de contabilidade fiscal como um datilógrafo, por conta própria ganhava $ 40 por semana. Um ano mais tarde, porém, ele assinou um contrato com a gravação RCA e gravado seu primeiro disco solo em Londres, com início sessão músicos incluindo Steve Howe e Rick Wakeman, os membros do rock progressivo grupo Yes. O álbum, simplesmente intitulado Lou Reed, contidas suavemente produzidas, re-gravadas versões do inéditos Velvet Underground canções, algumas das quais foram inicialmente registados pelo veludos para Carregado mas adiadas . Este primeiro disco solo foi ignorado pela maioria dos críticos de música pop (embora Stephen Holden na Rolling Stone chamou-lhe "quase perfeito") e não vender em números significativos.
David Bowie e Mick Ronson co-produziu o álbum e introduziu Reed a um público mais vasto popular (especialmente no Reino Unido). O hit único " Walk on the wild Side" foi tanto uma saudação e swipe a desvios, hustlers, e travestis em Andy Warhol's Factory. A canção da habilmente transgressiva letras contornadas rádio censura. Embora musicalmente um pouco atípico para Reed, que se tornou sua assinatura canção. A canção surgiu como um resultado da sua comissão para compor uma trilha sonora para uma adaptação teatral de Nelson Algren é romance do mesmo nome, embora o jogo não se materializem. Ronson do regime saírem novos aspectos da Reed's songs, "Perfect Day", por exemplo, funções delicadas cordas e soaring dinâmica.Foi redescoberta na década de 1990 e permitiu a queda Reed "Walk no Wild Side" de seus concertos.
Apesar de se revelar Transformador Reed comercial da pinnacle e crítica, não houve pequena quantidade de ressentimento no Reed dedicado à sombra do registro expressos durante o resto de sua carreira. Um argumento público entre Reed e David Bowie terminou sua relação de trabalho há vários anos, embora o tema da tese não é conhecida.

Os dois reconciliaram alguns anos mais tarde, com David Bowie e Reed realizada no último concerto do 50 º aniversário no Madison Square Garden em 1997. Os dois não formalmente colaborar novamente até 2003 é o corvo. Reed seguido Transformador com o mais escuro Berlim, que conta a história de amor em dois junkies em a cidade de mesmo nome. As canções diversas preocupação abuso doméstico ( "Caroline Says I", "Caroline Says II"), drogas ( "Como você acha que se sente"), adultério e prostituição ( "The Kids"), e suicídio ( "The Bed" ).
Como ele tinha feito com Berlim depois da Transformação, em 1975, Reed respondeu ao seu glam rock sucesso com um fracasso comercial, um álbum duplo de gerada eletronicamente áudio feedback, Metal Machine Music. Críticos interpretado como um gesto de desprezo, uma tentativa de quebrar seu contrato com a RCA ou menos sofisticados para alienar seus fãs. Mas Reed afirmou que o álbum foi um verdadeiro esforço artístico, chegando mesmo a sugerir que cotações de música clássica pode ser encontrado enterrado no feedback. Bangs declarou-o "gênio", embora também como psicologicamente perturbador. O álbum foi declaradamente devolvidos às lojas pelos milhares após algumas semanas. Apesar de admitir mais tarde que o forro notas "lista de instrumentos é fictício e destinados como paródia, Reed sustenta que MMM foi e é um grande álbum.Em 2000, foi adaptada para o desempenho orquestral pelo conjunto alemão Zeitkratzer.
Em contrapartida, 1976's Coney Island Baby foi principalmente uma calorosa e sazonar álbum, apesar de seus personagens Reed chamou ainda sobre o submundo da cidade. Neste momento o seu amante era um transexual mulher, Rachel, mencionados na dedicação de "Coney Island Baby" e aparecendo nas fotos na capa da Reed's 1977 "melhor de" álbum, Caminhe sobre o Wild Side: The Best of Lou Reed . Embora Rock and Roll Heart, 1976 a sua estréia pela sua nova gravadora Arista, ficaram aquém das expectativas, Hässle Street (1978) foi um regresso à forma no meio do punk cena que ele tinha ajudado a inspirar. Mas, ironicamente Reed foi dismissive de punk e ... »RENUNCIADOS qualquer identidade com punk '" Seu ... ridiculous estou a ser demasiado alfabetizados em punk rock ... Todo o CBGB's, novo máximo da coisa em que todos os eo que está acontecendo em Londres - você não acha que eu sou a sério o que é responsável pela maioria lixo? "[14]''Os Sinos (1979) caracterizado jazz grande Don Cherry, e foi seguido por Growing Up in Public com guitarrista Chuck Martelo no ano seguinte. Durante este período ele também apareceu como um delicado registro produtor de Paul Simon é o filme One Trick Pony. Reed também desempenhou vários inopinados uma off-concertos em pequenos clubes com o centro de Manhattan gosta de Cale, Patti Smith, e David Byrne durante o período, mas plena reconciliação entre Cale e Reed foi implausível. Cale mais tarde escreveu a canção "Mulher" sobre Reed em seu álbum BlackAcetate.
Em 1980, a Reed casou-se com a designer britânica Sylvia Morales. Eles se divorciaram pouco mais que uma década. Ainda que juntos, Morales Reed inspirou algumas das canções mais forte do amor, especialmente "Pensem nisso," a partir da década de 1980 Growing Up in Public e "Mulheres" de 1982 da The Blue Mask. Após Legendary Hearts (1983) e de novas sensações (1984) teve adequadamente sobre as cartas, Reed foi suficientemente reabilitado como uma figura pública a tornar-se porta-voz da Honda scooters.Em 1986, entrou para a Anistia Internacional A Conspiracy of Hope Tour e foi sincero sobre Nova York de questões políticas e personalidades, em 1989 o álbum Nova Iorque, comentando sobre a criminalidade, Aids, Jesse Jackson, Kurt Waldheim, e Pope John Paul II. Após a morte de Warhol rotina após cirurgia em 1987, a Reed novamente colaborou com John Cale em 1990's Songs para Drella (Drella - Warhol's nickname - é uma mistura das palavras "Drácula" e "Cinderela"). O álbum marcou um fim a 22 anos de um desentendimento. O álbum teve a forma de uma biografia Warhol; no álbum, Reed canta do seu amor pela sua tarde amigo, mas também critica tanto os médicos que foram incapazes de salvar a vida de Warhol e Warhol's suposto assassino, Valerie Solanas.
Em 1990, após um hiato de 20 anos, o Velvet Underground reformada para um Cartier benefício em França. Reed lançou seu décimo sexto recorde solo, Magic and Loss, em 1992, um álbum sobre a mortalidade, inspirado pela morte de dois amigos íntimos de câncer. Em 1993, o Velvet Underground novamente reunificada e excursionou por todo a Europa, apesar de planos para uma turnê norte-americana foram cancelados após outro cair entre Reed e Cale. Em 1994, a Reed apareceu em uma festa: a música de Pete Townshend e The Who, também conhecido como Daltrey Sings Townshend. Este foi um dois-noite concerto no Carnegie Hall produzido por Roger Daltrey do Inglês rock banda The Who em comemoração do seu quinquagésimo aniversário.Em 1994, um CD e um vídeo VHS foram emitidos, e em 1998 foi lançado um DVD. Reed performed a radically rearranged version of "Now And Then" from Psychoderelict . Reed realizada uma versão radicalmente rearranjada de "agora e depois" de Psychoderelict.

Em 1996, o Velvet Underground foi induzido no Rock and Roll Hall of Fame. Na indução cerimônia, Reed realizada uma canção intitulada "Na noite passada eu disse adeus ao meu amigo" ao lado ex-banda John Cale e Maureen Tucker, em dedicação a Velvet Underground guitarrista Sterling Morrison, que tinha morrido no anterior agosto. Reed, desde então, sido nomeados para o Rock Hall como um artista solo, duas vezes, em 2000 e 2001, mas não foi induzido.
Em 1997, mais de 30 artistas cobertas "Perfect Day", para a BBC é "As crianças em necessidade" recurso. 1996's Defina o Crepúsculo bobinagem recebido uma recepção morna, mas 2000 do Ecstasy - incluindo várias faixas originalmente escrito para o "Time Rocker" peça - atraiu elogios da maior parte dos críticos, incluindo Robert Christgau. Em 1996, Lou Reed contribuíram canções e músicas para o Time Rocker, um avant-garde interpretação teatral de HG Wells' s The Time Machine diretor teatral encenada por Robert Wilson. A peça estreou no Thalia Theater de Hamburgo, na Alemanha, e mais tarde também foi mostrado no Brooklyn Academy of Music de Nova Iorque.
Desde o final dos anos 1990, Reed foi romanticamente ligada ao músico, multi-mídia e desempenho artista Laurie Anderson, e os dois têm colaborado em um número de gravações juntos. Anderson contribuiu para "Call On Me" de Reed's Raven O projecto, para as faixas "Rouge" e "Rock minueto" de Reed's Ecstasy, e para "Hang On To Your Emotions" de Reed's Defina o Crepúsculo bobinagem. Reed contribuíram para "In Our Sleep" de Anderson's Bright Red e de "Uma Linda Noite" de Anderson da Vida, em uma seqüência. Eles se casaram em 12 de abril de 2008.
Em Maio de 2000, a Reed realizada antes Pope John Paul II, o Grande Jubileu Concerto em Roma. Em 2000, uma nova colaboração com Robert Wilson chamado Poe-Experimente foi encenado no Thalia Theater, na Alemanha. Tal como com o anterior colaboração Time Rocker, Poe-Experimente também foi inspirado pela obra de um escritor século 19: Edgar Allan Poe. Lou ficou obcecado com Poe depois produtor e amigo de longa data Hal Willner tinha sugerido a ele para ler algumas de Poe do texto em um Halloween benefício foi curating no St. Ann's Episcopal Church, em Brooklyn. Para esta nova colaboração com Robert Willson, Lou Reed retrabalhados e mesmo alguns dos Poe reescreveu o texto, bem como incluiu algumas novas canções com base no tema explorado nos textos. Em 2001, a Reed fez uma aparição no filme camafeu adaptação do Prozac Nation. Em 6 de outubro de 2001, o New York Times publicou um poema chamado Lou Reed Laurie Infelizmente Ouvir em que ele reflete sobre os acontecimentos de 11 de setembro.
Incorrect relatórios de Reed da morte foram difundidos por E.U. numerosas estações de rádio em 2001, causada por uma brincadeira e-mail (que se apresente a partir Reuters), que disse que ele tinha morrido de uma overdose. Em 2003, ele lançou um 2 - CD set, The Raven, com base em "Poe-Experimente".Além de Lou Reed e sua banda, o álbum apresentou uma vasta gama de atores e músicos, incluindo cantores David Bowie, Laurie Anderson, Kate McGarrigle & Anna McGarrigle, A Blind Boys of Alabama e Antony Hegarty, saxofonista e longo tempo ídolo Ornette Coleman, e atores Elizabeth Ashley, Steve Buscemi, Willem Dafoe, Amanda Plummer, Fisher Stevens e Kate Valk. O álbum constou das canções escritas por Reed e palavra falada performances de reformulação e reescrita de textos Edgar Allan Poe pelos intervenientes, definir a música eletrônica composta por Reed. Ao mesmo tempo um 1 - CD versão dos álbuns, centrando-se na música, também foi liberada.
Poucos meses após o lançamento de O Corvo, um novo 2-CD Best Of-set foi lançado, intitulado NYC Man (The Ultimate Collection 1967-2003), que incluiu uma versão inéditos da canção "Quem sou eu" e uma seleção de carreira spanning faixas que haviam sido selecionados, remasterizado e seqüenciado sob supervisão do próprio Lou. Em Abril de 2003, Lou Reed embarcou em uma nova turnê mundial apoiando novos e liberada material, com uma banda, incluindo celliste Jane Scarpantoni e cantor Antony Hegarty. Durante alguns dos concertos para esta turnê, a banda foi acompanhado pelo Mestre Ren Guangyi, Lou pessoal do Tai Chi instrutor, executando movimentos de Tai Chi da música no palco. Esta turnê foi documentada em 2004 o álbum duplo disco ao vivo Animal Serenade, gravado ao vivo em O Wiltern, em Los Angeles.
2003 também viu o lançamento do primeiro livro de Lou de fotografias, chamado Emoções em Acção. Este trabalho foi feito realmente para fora, de 2 livros, uma maior A4 de papel de tamanho chamado "Emoções" e um menor um chamado de "Ações", que foi estabelecido para a capa dura da antiga. Após Horários: uma homenagem à música de Lou Reed foi liberada pelo Wampus Multimédia em 2003. Em 2004, um Groovefinder remix de sua canção, "Satellite of Love" (chamados de "Satellite of Love'04"), foi liberada. Ela atingiu # 10 no UK singles chart. Também em 2004, Lou Reed contribuiu com vocais e violão para a faixa "punhado de amor" na I Am A Bird Now por Antony e os Johnsons. Em 2005, a Reed fez um texto sobre a palavra falada dinamarquês rock banda Caxemira está álbum n º Saldo Palace.
Em 2003, a Reed também foi um juiz para a 3 ª anual Independent Music Awards para apoiar artistas independentes' carreiras.
Em Janeiro de 2006, um segundo livro de fotografias denominado "Lou Reed's New York" foi lançado. Em 2006 MTV Video Music Awards, realizado Reed "White Light / White Heat", com o Raconteurs. Mais tarde, à noite, enquanto co-apresentar o prêmio de Melhor Vídeo Rock com Pink, ele exclamou, aparentemente unscripted, que a"MTV deve executar mais rock n 'roll".
Em Outubro de 2006, Lou Reed apareceu em Hal Willner é Leonard Cohen homenagem mostrar "Came So Far Para Beleza" em Dublin, ao lado do elenco de Laurie Anderson, Nick Cave, Antony, Jarvis Cocker, Beth Orton, e outros. Segundo os relatórios, ele transformou Cohen's "The Stranger Song" em metal rock. Ele também realizado "One of Us Cannot Be Wrong" e dois duetos - "Joan of Arc", Cohen's song sobre Nico com ex-Cohen's back-up cantora Julie Christensen, assim re-casting Cohen's dueto com ela a partir de 1994 Cohen Live álbum, e "Memórias" - que também se refere a Nico - em um dueto com Anjani Thomas. As faixas estão disponíveis no oficiosas gravações feitas por fãs Cohen.
Em Dezembro de 2006, para grande surpresa de todos, Lou Reed jogou uma primeira série de show no St. Ann's Warehouse, Brooklyn, Nova York, com base na sua já lendária 1973 Berlim canção ciclo. Reed foi reunida no palco com o guitarrista Steve Hunter, que jogou no álbum original, bem como sobre Rock 'n' Roll Animal, bem como juntar-cantores Antony Hegarty e Sharon Jones, pianista Rupert Christie, um chifre e corda e da seção Brooklyn Youth Chorus. The show was being produced by Bob Ezrin , who also produced the original album, and Hal Willner . O show está sendo produzido por Bob Ezrin, que também produziu o álbum original, e Hal Willner. O estádio foi concebido pelo pintor Julian Schnabel e um filme sobre o protagonista 'Caroline', dirigido por sua filha, Lola Schnabel, estava a ser projetado para o palco. Uma gravação ao vivo dos concertos também foi publicado como um filme (dirigido por Julian Schnabel), que foi lançada na Primavera 2008. O show também foi tocada no Festival Sydney, em Janeiro de 2007 e em toda a Europa durante junho e julho de 2007. O álbum do concerto, intitulado «Berlin: Live at St. Ann's Warehouse, foi lançado em 2008.
Em Abril de 2007, ele lançou "Hudson River Wind Meditations", seu primeiro disco de ambiente meditação música. O recorde foi lançado sobre a True Sounds gravadora e contém quatro faixas que se diz ter sido constituída apenas para si próprio como uma orientação para o Tai Chi exercício e meditação. Em Maio de 2007 Reed realizada a narração de um rastreio de Guy Maddin é filme mudo A Brand Upon the Brain. Em Junho de 2007, ele executou ao vivo no Festival de Tráfego de 2007, em Turim, Itália, cinco dias de um evento gratuito organizado pela cidade.
Em Agosto de 2007, a Reed entrou em estúdio com os The Killers, em Nova York para gravar 'acalmar', um dueto com Brandon Flowers para The Killers' b-side/rarities álbum, chamado Serrim. Durante esse mês, ele também gravado guitarra para o Lucibel Cratera canção 'surrado Funeral ", que aparece em sua versão integral do comprimento CD álbum de família. Em Outubro de 2007, Lou Reed fez uma performance especial no Recitement canção, "passageiros". O álbum foi composto por Stephen Emmer e produzido por Tony Visconti. Hollandcentraal foi inspirada por este pedaço da música e da literatura, o que gerou um conceito para um vídeo musical. Em 1 º de outubro de 2008, a Reed aderiram Richard Barone através projetado um vídeo sobre falada / cantada dueto de Reed's "I'll Be Your Mirror", com o violoncelista Jane Scarpantoni, em Barone's "FRONTMAN: Uma Leitura Musical" no Carnegie Hall.
Em 12 de abril de 2008, Lou Reed casado vida parceiro Laurie Anderson, em uma cerimônia privada em Boulder, Colorado.
Reed está agendada para executar em 2009 Lollapalooza festival.
A tradução está razoável mas dá para ter uma noção da vida deste ícone do Rock.

Um abraço e até mais...

Lindsay Lohan

No universo musical o desempenho de Lindsay Lohan é um tanto comum, já que a bela é mais conhecida como atriz e por polêmicas. Crêio que os críticos pegam muito pesado com ela, mas, no final das contas, Lindsay é muito bem sucedida com tudo que conquistou, a ruivinha não é fraca não! Atriz, cantora pop e empresária , "Tá pensando o que?".
Lindsay Dee Morgan Jade Lohan (Nova Iorque, 2 de julho de 1986) é uma atriz e cantora pop. Ficou mundialmente conhecida após interpretar irmãs gêmeas na longa-metragem “Operação Cupido" em 1998. Seus filmes de maior sucesso são "Sexta-Feira Muito Louca"(2003), “Confissões de uma Adolescente em Crise”(2003), "Meninas Malvadas"(2004) e Herbie: Meu Fusca Turbinado, um remake do filme "Se Meu Fusca Falasse"(2004/2005).
Atualmente Lindsay Lohan tem trabalhado no meio empresarial, lançando produtos como uma linha de leggings e também com sua linha de bronzeadores chamos Sevyn-Nine.Lindsay ainda pretender lançar uma linha de joías. No meio do cinema, Lindsay tem apenas um filme previsto para 2009 chamado "Dores de Parto", que irá ser exibido diretamente na TV, e um novo filme previsto para ser filmado em Outubro de 2009 chamado "The Other Side". O novo cd, ainda não tem data de lançamento confirmada, mas ela voltou aos estúdios para terminar a gravação do mesmo.
Filha de Dina Lohan, e Michael Lohan, Lindsay é a mais velha de quatro irmãos (Michael Jr, Aliana e Dakota Lohan). Em sua adolescência Lindsay sempre gostou de fazer compras, além disso seus passatempos preferidos era colecionar Beanie Babies, ler, escrever, cantar, esquiar, andar de bicicleta, nadar, fazer ginástica e jogar basquete, especialmente com seus irmãos.
Lindsay Lohan começou sua carreira aos 3 anos como modelo da “Ford Models”, sendo a primeira modelo ruiva infantil da agência. Desde o momento estreou em mais de 80 comerciais para a TV, de marcas como “Jello”, “The Gap”, “Pizza Hut” e “Wendy's”.
Em Novembro de 2008, Lohan assume oficialmente a sua bissexualidade. Namorou a DJ Samantha Ronson, mas depois de muita confusão, elas acabaram terminando o relacionamento em Abril de 2009. Por enquanto, ela se declara solteira.
Lindsay ficou realmente famosa aos 12 anos, interpretando as irmãs gêmeas do longa-metragem “Operação Cupido" em 1998.

Inicialmente o papel das gêmeas foi oferecido a Michelle Trachtenberg, que o recusou para deixá-lo para Lindsay. Algum tempo depois, Lindsay Lohan foi convidada para viver Penny, no filme “Inspetor Bugiganga” e em retribuição deixou o o papel à Michelle.
Depois do grande sucesso em “Operação Cupido”, Lindsay trabalhou outro filme da Disney, com a modelo-atriz Tyra Banks em “A Boneca Que Virou Gente" em 2000.
Além disso, Lindsay gravou no mesmo ano um episódio-piloto para o seriado “Bette” em homenagem a atriz, Bette Middler - a mesma também participava da série – mas Lindsay recusou o papel por morar em Nova York e as gravações serem em Los Angeles.
Já em 2002 Lindsay gravou outro filme para a Disney, “Get a Clue (Seguindo as Pistas)”, que acabou não indo para os cinemas. Ainda em 2002, no seriado Last Call With Carson Daly, Lindsay admitiu que adormeceu durante a premiere de The Parent Trap em 1998.
Em 2003 a atriz fez mais um filme da Disney, com a atriz Jamie Lee Curtis, “Sexta-Feira Muito Louca”, até hoje considerado seu filme de maior sucesso, no filme a atriz faz a protagonista Anna Coleman. O filme rendeu a Lindsay o 'MTV Movie Awards' de Melhor Revelação Feminina por sua atuação. Além de ter apresentado a premiação em 2004.
Lindsay gravou outro grande sucesso do cinema “Confissões de uma Adolescente em Crise”. Foi neste filme onde Lindsay anunciou-se oficialmente como cantora e lançou seu primeiro single "That Girl(Drama Queen)", parte da trilha sonora do filme.
2004 foi um ano de sorte para Lindsay, que interpretou Cady, no longa-metragem "Meninas Malvadas", um de seus grandes êxitos em sua carreira de atriz, firmando-a como a "Teen Queen Maxíma", como um programa de Tv a retratou.
Em outubro de 2004, Lindsay ficou três dias internada em um hospital, com febre alta e suspeita de meningite. Por causa da internação, as filmagens de Herbie: Meu Fusca Turbinado,um remake do filme "Se Meu Fusca Falasse", foram interrompidas. Mas tudo não passou de um susto. E em 2005 a comédia “Herbie: Meu Fusca Turbinado”, chegou às telas com Lindsay no papel da protagonista Maggie Payton, com participação no elenco de Michael Keaton, Matt Dillon, Breckin Meyer e Justin Long. O filme faturou mais de 160 milhões de dolarés.
Lindsay gravou em 2006 "Sorte no Amor", que teve a participação do grupo britânico “McFly”, no qual Lindsay começou a largar filmes para adolescentes e amadurecer os seus personagens.
Em 2006, Lindsay estrelou "Sorte no Amor". Alegou, também, querer papéis mais maduros. Lindsay foi coadjuvante do último filme do diretor Robert Altman, "A Última Noite", no qual ela fazia Lola Johnson, filha dos personagens de Meryl Streep e Garrison Keillor. E ainda "Bobby", um filme falando do assassinato do Senador Robert Kennedy, que mistura ficção e realidade, do diretor Emilio Estevez, interpretando Diane.
Em 2007, Lindsay fez o filme "Chapter 27", no qual ela interpreta uma fã do falecido cantor do grupo "The Beatles", John Lennon, que se envolve com Mark Chapman, que ficaria conhecido mundialmente como o assassino do Beatle.
Logo depois, Lindsay gravou "Ela é a Poderosa", um drama-comédia onde contracenou junto com a ganhadora do Oscar Jane Fonda, e a atriz Felicity Huffman, interpretando uma adolescente com uma relação problemática com a família.
Seu último filme até o momento foi "Eu Sei Quem Me Matou", o primeiro papel no gênero de suspense que a atriz fez. Mesmo com cenas de striptease, o filme foi um fracasso nas bilheteiras e na aceitação do público. Lindsay pensou muito antes de aceitar tal papel por se tratar de uma striper. Viu-se depois que ela deveria ter recusado o papel, pois foi com esse filme que ela recebeu o prêmio "Framboesa de Ouro de Pior Atriz". O filme totalizou 8 estatuetas, sendo dois dela, por pior atriz e pior interpretação de gêmeas.
Em 2008 Lindsay gravou dois filmes: "Dare to Love Me" e "Dores de Parto".
Participou em 4 episódios da série Ugly Betty, onde faz uma colega de classe de Betty.
Em 1999, Lindsay começou a dar seus primeiros passos como cantora, dedicando-se a nova carreira até 2002. Descoberta como cantora pelo produtor Emilio Estefan Jr, Lindsay assinou um contrato de cinco álbuns em 2002. Segundo Emilio: "O minuto que eu a ouvia cantar, eu conhecia que ela era capaz de cantar qualquer tipo de música".
Assim como sua referência, Ann Margaret, Lindsay começou com suas habilidades de cantora através de seus filmes. Em 2003, no filme Sexta-feira muito louca, Lindsay canta como tema do filme a música "Ultimate", música que se tornou hit.
Em Confissões de uma Adolescente em Crise, Lindsay grava parte da trilha sonora do filme, além da música tema "That Girl (Drama Queen)", seu primeiro single oficial, e com um videoclip. A música logo entra para as paradas das rádios, fazendo Lindsay ser conhecida além de atriz, como cantora teen.
Depois da briga pelo ex-namorado Aaron Carter no qual Lindsay perdeu para Hilary Duff, a cantora ainda teve de engolir a resposta da rival. Hilary Duff, qual além de atriz também é cantora, escreveu "Haters", uma canção em 'homenagem' a Lindsay que diz "Você é a rainha da superficialidade/ Mantenha suas mentiras longe de minha realidade/ Você diz que seu namorado é doce e gentil/ Mas seus olhos ainda estão no meu".
Em outubro de 2004, foi lançado o primeiro single do álbum de Lindsay Lohan, "Rumors", que fez bastante sucesso nas paradas norte-americanas, e teve seu videoclipe exibido pela MTV.
O clipe foi feito em Los Angeles por Jake Nava, conhecido por seus trabalhos com Atomic Kitten, Beyonce, Lo-Fidelity All Stars e Tina Turner.
No vídeo, Lindsay já deixa claro que quer ser uma celebridade da música, mostrando reporteres enlouquecidos por uma foto da cantora, que sai escondida de um carro blindado, passado por um elevador, onde coloca toda sua sensualidade, até chegar ao terraço, saindo de cena em um helicóptero, onde joga suas fotos para os repórteres.
O sensual vídeo alcançou o #1 nos mais pedidos da MTV americana por várias semanas, o que lhe rendeu a indicação a Melhor Clip Pop no MTV Video Music Awards.
Seu álbum de estréia, Speak, foi lançado em dezembro de 2004, obtendo um ótimo desempenho nas paradas, conseguindo um #4 na parada da Billboard. Em 2005, Speak foi certificado como disco de platina.
O segundo single do álbum foi "Over", que apesar da pouca divulgação estacionou na posição #5 não tendo muito destaque em si.
O terceiro single foi "First", que alcançou a posição #7 nas paradas das rádios, apesar do grande número de execuções. O single entrou para a trilha sonora do filme "Herbie: Meu Fusca Turbinado" e o videoclipe, dirigido por Jake Marítimo, teve a participação do fusca Herbie.
Em dezembro de 2005, seu segundo álbum, A Little More Personal (Raw) estréia em #20 na parada Billboard 200, mas saiu do top 100 em apenas seis semanas. As críticas não foram favoráveis e críticos chamaram o álbum de “uma inconsistente produção pop”. Ainda assim, A Little More Personal (Raw) obteve o certificado de ouro em 18 de janeiro de 2006 pela RIAA.
O videoclip para o primeiro single do álbum, Confessions Of A Broken Heart (Daughter to Father), - dirigido pela própria Lindsay e contando com a atuação de sua irmã mais nova – mostrou-se uma dramatização da dor que sua família sofreu com seu pai. A escolha para segundo single foi I Live For The Day. Lindsay não estava apta a divulgar o single de forma alguma e com os péssimos resultados obtidos, o single foi cancelado e posteriormente substituído por If It’s Alright. Ainda assim, a segunda escolha foi também cancelada pelos mesmos motivos.
Sendo assim, A Little More Personal (Raw) não obteve grandes êxitos como o seu álbum anterior, tendo uma divulgação ruim e apenas um videoclip.
Enquanto figura na mídia por sua polêmicas de sua vida social e colecionando prêmios Framboesa de Ouro por suas últimas performances cinematográficas, ela agora irá retomar sua carreira musical. Lindsay está de volta aos estúdios gravando seu terceiro disco, que já conta com três músicas prontas, sendo que uma delas já foi divulgada na Internet, Bossy. Segundo o que ela informou a revista "People", o trabalho é inspirado em um “encontro de Kylie Minogue com Rihanna”. Com essa informação, deduz-se que a cantora/atriz seguirá um estilo mais dance, do contrário de seus discos anteriores, que apresentavam um estilo pop-rock. Lindsay já avisou que não vai falar de seus problemas pessoais nas letras das músicas que estarão no novo álbum. “O passado é passado e deve ser mantido assim. É uma nova fase para mim e eu quero mostrar isso nesse disco”, disse. O disco e o single tiveram por diversas vezes suas datas de lançamento adiadas, até que em uma declaração Lindsay afirmou que não queria terminar de gravar o disco, queria fazer com calma para sair um trabalho realmente bom.
Lindsay retornou aos estúdios em Maio de 2009 para a conclusão do album, ainda sem data de lançamento. O possível nome do álbum é Spirit In The Dark.
Esta ferinha aínda vai dar muito o que falar...espero que com muito sucesso.


* "Confessions Of A Broken Heart"


I wait for the postman to bring me a letter
And I wait for the good lord to make me feel better
And I carry the weight of the world on my shoulders
A family in crisis that only grows older

Why'd you have to go?
Why'd you have to go?
Why'd you have to go?

Daughter to father, daughter to father
I am broken, but I am hoping
Daughter to father, daughter to father
I am crying, a part of me is dying
And these are, these are
The confessions of a broken heart

And I wear all your old clothes, the old polo sweater
I dream of another you, the one who would never
Never leave me alone, to pick up the pieces
A daddy to hold me, that's what I needed

So why'd you have to go?
Why'd you have to go?
Why'd you have to go?

Daughter to father, daughter to father
I don't know you, but I still want to
Daughter to father, daughter to father
Tell me the truth, did you ever love me?
'Cause these are, these are
The confessions of a broken heart
Of a broken heart

I love you,
I love you,
I love you, I,
I love you,

Daughter to father, daughter to father
I don't know you, but I still want to
Daughter to father, daughter to father
Tell me the truth
Did you ever love me?
Did you ever love me?
These are
The confessions of a broken heart

Ooooooh yeah

And I wait for the postman to bring me a letter

TRADUÇÃO


* "Confissões de um coração partido"


Eu espero pelo carteiro para que ele me traga uma carta
Eu espero que o bom Senhor me faça sentir melhor
E eu carrego o peso do mundo nos meus ombros
Uma família em crise que somente envelhece

Por que você teve que ir?
Por que você teve que ir?
Por que você teve que ir?

De filha para pai, de filha para pai
Eu estou machucada, mas estou esperando
De filha para pai, de filha para pai
Eu estou chorando, uma parte de mim está morrendo e
Estas são, estas são
As confissões de um coração partido

Eu visto todas as suas roupas velhas e o seu suéter pólo
Eu sonho com outro você, um que jamais
Jamais me deixaria sozinha para juntar os pedaços
Um papai para me abraçar, é o que eu precisaria

(então) Por que você teve que ir?
Por que você teve que ir?
Por que você teve que ir?

De filha para pai, de filha para pai
Eu não conheço você, mas ainda quero conhecer
De filha para pai, de filha para pai
Diga-me a verdade, você já me amou?
Porque estas são, estas são
As confissões de um coração partido

Eu amo você, eu amei você